Mysterious Continuum_미스테리한 연속체

_최솔구( 디스위켄드룸 큐레이터)

점진적인 이행 Gradual Transition

이은경은 일상의 사물들에서 미적인 것의 징후를 포착하는데 능숙하다. 각기 다른 장소에서 모은 돌, 수분이 빠져 쪼그라든 모과, 거뭇한 반점이 나타난 귤, 이어 붙인 빨대, 뿌리가 없는 (것처럼 보이는) 식물, 마로니에 나무의 열매, 투명한 아크릴 입방체, 귀퉁이가 깨진 컵, 조각난 캔버스 그림. 모두 작업실 선반에 놓여 작가에게 영감을 주는 사물들의 목록이다. 작가는 쓰임새를 잃어가고 서서히 변화하는 사물들이 시간을 지연시켜주는 촉매제의 역할을 한다고 말한다. 그리고 그것들이 다른 차원이나 공간으로 이동하고 있다는 상상을 한다.

작가의 상상처럼 일상의 경험에서 건져 올려진 소재들은 일련의 조형적 실험을 거쳐 미지의 차원으로 옮겨진다. 그 실험은 대상의 일부분을 의도적으로 생략·확대·연장하고 빛의 공간으로 전치되는 흰 배경이나 편평한 색면과 통합하는 식이다. 또는 이미지를 분할하고 재조립하여 2차원과 3차원 공간 사이의 틈을 드러내거나 유약한 재료의 물성을 활용해 물리적/시각적 균열을 극대화하는 방식으로 진행된다. 이러한 시도들은 유연하게 움직이는 시공간을 이해하기 위한 인식적 차원의 작가 태도로 보인다.

특히 템페라 작품 「Collected Samples」시리즈는 견고한 세계에 대한 우리의 믿음을 전복시키는 여러 층위의 장치를 갖고 있다. 작가는 원형의 캔버스 위에 내구성이 약한 템페라와 유기물 재료를 사용하여 수 십 겹의 레이어를 만들고, 그 위에 주변에서 수집한 인스턴트 이미지를 그려 넣었다. 그 후 거친 사포로 갈아내거나 둥근 캔버스를 공처럼 굴리는 퍼포먼스를 통해 작업물의 표면을 의도적으로 탈락시켰다. 물리적 유약함은 재현의 구조에 균열을 일으켜 환영의 유약함을 증명하는 장치로 설계된 것이다. 손쉽고 익숙한 이미지들은 단발적으로 작용하는 표피였음이 드러나고, 동시에 회화의 영속성에 대한 믿음은 배반된다. 이미지 아래 물감 층의 단면이 노출되는 순간 우리는 예상하지 못한 또 다른 차원과 조우하고, 이 때 퇴적물처럼 축적된 시간은 현재의 타임라인에 포개어진다.

미스테리한 연속체 Mysterious Continuum

유체역학에서 연속체 이론은 유동적인 물체가 급격한 변화나 불연속성 없이 다른 조건으로 전이되는 것을 거시적인 관점에서 설명하고 있다. 이은경의 작품에서 포착되는 ‘익숙한 것이 생경하게 변모하는 흐름’은 연속체의 움직임과 닮아있다.

우리는 「Chalk2」에서 모과의 노란 색이 분필의 획으로 변하는 지점이나 「Inverted Triangles」시리즈에서 꽃병의 꽃다발이 녹색의 역삼각형 또는 흰 공간으로 통합되는 경계를 분절하는 것이 불가능함을 깨닫는다. 대상과 배경 혹은 중심과 주변의 분기점은 모호하고, 상태의 변화는 점진적이고 연속적인 에너지로 나타난다. 생물이 무생물로 변하고 존재가 부재로 바뀌는 미스테리한 이미지는 작품을 둘러싼 공간과 시간을 역전 가능하고 중첩 가능한 것으로 만드는 힘을 갖고 있다.

개인전에서 새롭게 선보이는 「Wind」는 단풍나무 씨앗을 구(sphere)위에 나선형으로 이어 붙여 만든 오브젝트이다. 같은 크기의 오브젝트 세 점은 씨앗이 연결된 방향에 따라 각각 하나, 두 개, 세 개의 결을 갖고 있어, 구의 표면 위로 기체가 대류를 이루는 것처럼 보인다. 이 유동적 흐름은 말라서 바스러질 것 같은 씨앗에 바람을 따라 움직여 새로운 싹을 틔울 수 있는 에너지가 내재되어 있음을 은유적으로 드러낸다. 회화에서 익숙한 것이 다른 차원으로 옮아가는 변화와 이동의 모습을 쫓았던 것처럼, 보이지 않지만 분명히 존재하는 흐름을 촉각적으로 구축하는 시도라고 볼 수 있다.

이번 전시의 형식 또한 연속체의 구조를 차용하여 구성되었다. 전시 공간은 일시적으로 ‘라이브 템페라 스튜디오(The Freshest Painting)’로 바뀌어 재료의 물성을 탐구하는 작가의 작업실로 운영되고, 스튜디오에서 제작된 템페라 작품들은 개인전에서 전시된다. 전시 종료 후에는 이은경의 작품을 주제로 조형석 디자이너와 협업한 ‘리센트워크갤러리(Recent Work Gallery)’ 프로젝트의 이미지를 전시장 밖의 일상 공간에 동시다발적으로 ‘포스팅’ 할 예정이다. 개인전, 스튜디오, 리센트워크갤러리 프로젝트라는 세 개의 축이 서로에게 영향을 미치는 ‘응력’을 만들어 내길 기대한다.

*아티스트 토크  http://thisweekendroom.com/wp/170424/

 

주이상스 jouissance 를 위한 응시

__ 이진실 미학/미술비평

그림은 세계를 낯설게 보도록 한다. 뒤집어 말하자면, 익숙한 세계를 낯설게 보도록 하지 않는 그림이란 없다. 마치 현실을 그대로 옮겨놓은 것 같은 메타 리얼리즘 회화나 세밀화라 하더라도 그것이 캔버스 위의 그림인 한, 현실의한 토막을 더욱 생경하게 만든다. 그래서 화가의 눈은 본디 낯섦의 시선이며, 은폐된 채 매끈하게 보이는 현실의 이음새들에서 틈을 발견하는 시선일지 모르겠다. 일상의 사물들을 캔버스 위에서 탐색하는 이은경의 시선이 낯설고 새롭게 다가오는 것은 일차적으로 미시적, 혹은 현미경적인 응시 때문이다. 그의 평면작업에서는 풍경의 파노라마나 대담한 스케일의 공간은커녕 인물도 찾아보기 어렵다. 그는 사물들의 소우주, 마이크로 코스모스를 항해하는 듯 작은 사물들의 모습을 희고 커다란 캔버스에 담아낸다. 그러나 그 그림들은 사물의 형태를 두고 시각적 경험과 실재간의 간극을 탐색한다거나 그 사물을 신랄하게 혹은 경이롭게 재현하는 데 주목한 결과물이 아니라, 그저 무심코 던진 시선이 사물과 만나는 접점을 그대로 떠 낸 그 어떤 일별의 순간, 정지의 순간에 가깝다. 그래서 그의 그림들은 순간을 포착한 사진처럼 느껴지는데 그것도 선명한 사진이 아니라, 노출이 어긋난 사진 혹은 감광판 위에 놓인 포토그램의 B컷처럼 다가온다. 그것은 이 그림들의 중심에 사실적 재현이나 작가가 부여하는 프레임이 아니라 생략, 사라짐, 부재가 자리하고 있기 때문이다. 여기가 바로 그의 회화가 던지는 낯섦의 두 번째 지점이다.

콘트라스트의 과잉 over contrast

이은경의 그림이 정밀화가 아니지만 사진과 같은 느낌을 주는 건 이런 이유에서일까? 특히 이번 작업들은 언뜻 보면 일상적 사물들을 찍어서 콘트라스트를 끝까지 끌어올린 한 장의 사진 같다. 빛의 과잉으로 사물표면의 광택, 혹은 투명한 유리의 형상은 배경과의 경계가 사라진 채 푹 꺼져버린다. 또 빛은 사물의 형상으로 침투해 들어가 사물의 형태를 깎아내고 갉아먹기도 한다. 이렇듯 사물의 형태를 볼 수 있는 시각적 가능성의 전제 조건이면서 우리를
눈멀게도 하는 이 빛으로 인해 사물의 형상은 잠식당한다. 이 빛이 극도로 팽창된 무대 위에서 사물들의 일부는 정밀하게 드러나고, 또 다른 일부는 희미하게 소멸된다. 이렇게 노출 강도가 높은 사진마냥 사물의 형태가 정지의 모습으로 유예되어 있는 대신, 사물들 안에 일련의 리듬처럼 나타나는 모티프들은 변주를 일으키며 여백의 공간으로 흘러넘친다. 양말의 땡땡이 무늬, 쿠킹포일 은박지의 반짝임, 컵 위에 새겨진 그물망과 물고기처럼 모티프들의 역동적인 리듬은 이 정지의 순간에서 유일하게 살아 움직이는 요소들로 해체되어 제 생명력을 얻은 듯하다.

투명함, 그리고 경계의 사라짐

작가는 이러한 형상의 재구성을 ‘정제’라고 표현했다. 매 작업마다 무엇을 걸러내고 무엇을 결정체로 붙잡는가 하는 문제는 그에게 유희이자 끈질기게 거듭되는 분투가 된다. 이은경의 작업에서 하나의 지속적인 맥락이 있다면 그것은 ‘유리’라는 물질성과 그 질료가 불러일으키는 시각적 동요일 것이다. 2012년 <Something is Missing>에서 선보인 정물 작업들은 유리컵이나 유리병에 담긴 꽃, 과일, 리본과 같은 사물들의 그림이었다. 캔버스 위에서 일렁이는 유리의 반사광, 아주 생략된 유리의 형상, 때로는 선명하게 때로는 아련하게 투과된 과일의 양감은 네덜란드 화가들의 알레고리 가득한 정물과는 전혀 다른 명랑함과 실험성을 노출했다. 2014년 <Fragile>에서는 에그템페라와 수제 젯소라는 아주 오래되고도 ‘유약한’ 재료를 통해 현대적인 상업적 이미지와 패턴들을 원형캔버스 안에 그려놓고 그것들의 균열,

훼손의 과정을 ‘쿨하게’ 제시하기도 했다. 작가는 깨지기 쉬움, 투명함과 같은 유리의 물성을 일렁거리는 빛, 형상의 왜곡, 이미지의 연약함 등 다각도의 회화적 실험으로 분화시켜 본 것이다. 이번 작업에서도 작가가 ‘정제’시키고자 하는 형상의 출발점은 유리라는 물성과 무관하지 않다. 투명함, 또는 백광(白光)을 흰 배경의 캔버스 위에 표현한다는 것은

배경과 형상의 경계, 사물과 부재의 경계를 실험하는 일에 다름 아니기 때문이다. 그간의 작업을 통해 이러한 시각적 경계를 극사실적으로 표현해 내고픈 욕망이-그러할 수 있는 역량 또한- 고조되었을 지금, 작가는 오히려 금욕주의 사제의 가학과 같은 태도로 이러한 경계를 무화시키거나 단순한 선형과 색채로 대체시키고 있다. 사물과 부재의 경계, 있음과 없음의 경계는 이제 일렁이는 빛의 환영과 형태의 왜곡을 낳는 유리의 투과성에서 텅 빈 배경, 아니면 노골적인 2차원 색 덩어리라는 양극단으로 환원되면서 완전히 미스테리한 형상으로 전복된다. 투명한 매체라는 시각적 환영을 되살려내고픈 욕망을 형체 없음, 사라짐이라는 순수한 투과성으로 해체시키며 새로운 형상을 재구축하는 것이다.

빗나가는 응시

이 미스테리한 형상의 원형을 추론해보는 일이나, 사물의 형상을 미스테리한 형상으로 재구성하는 일은 마치 매직아이처럼 주변적 시야나 색맹지대를 소환하고, 뚜렷한 망막의 소실점을 놓아버리는 일이다. 다시 말해, 견고한 형상을 포기하고 흩어져 떠도는 미지의 형상들을 포착해야 하는 일련의 일탈이다. 그것은 상징 질서라고 일컫는 일련의 통상적 ‘보기’와는 다른 ‘응시’의 전략 하에서만 가능한 일이다. 인간은 누구나 언어를 배우며 소위 상징 질서에 편입한다(라캉). 이 상징 질서로의 진입은 주이상스(자기 쾌락)를 포기하고 ‘아버지의 말’(기존 수립되어 있는 질서체계)을 따르는 것이자, 타자가 규정한 욕망을 우리 안에 내재화하는 것이다(당신은 태어날 때부터 샤넬 백을 원한 게 아니었지 않은가). 우리의 시각은 늘 우리의 의식이 향하는 곳에 초점을 맞춘다. 사실 그러한 의식 또한 상징질서에 물들어 있는 하나의 지향성일 뿐이다. 이렇게 우리의 익숙한 시선에서는 매순간 가시적이지만 보지 못하는 것들이 떨어져나간다. 이 지향성의 시선, 의미망의 포획에서 벗어나고자 한다면, 우리는 불확실성 속으로 우리의 감각을 떠돌게 하는 모험을 감행해야 한다. 즉 욕망이 아닌 주이상스, ‘실재’와 조우하는 즐거움을 만날 수 있는 가능성은 이러한 왜곡된 응시, 탈구(脫臼)적 실행에만 열려 있다.

텅 빔

왜곡된 응시에서 줄곧 우리의 시선을 잡아끄는 것은 사물들의 또렷한 질감이나 형태가 아니라 오히려 테두리의 생략, 텅 빈 구멍이다. 서양배의 광택이 텅 빈 구멍으로 뚫려버린 곳에서(<Hole>), 찻숟가락의 섬세한 디테일에 맞서 사라져버린 찻잔의 테두리에서(<For Two>), 나뭇잎과 잔디의 결이 바람처럼 날아가 버리는 저 소멸의 찰나에서(<Garden in Brockley>) 우리는 시선을 멈춘다. <분필>에서 노란 모과색의 연장이 주는 속도감과 운동감이 경쾌함을 안겨주는 한편, 쉽게 눈길을 떼지 못하는 지점 또한 저 작은 얼룩, 다름 아닌 모과의 썩어가는 부위다. 빛이 와 닿는 축복의 접지들, 살아있음의 현실성이 가장 적나라하게 드러나는 부분들이 소멸과 부재로 간단없이 넘어가버린다. 우리는 가장 빛나는 찰나와 죽음의 동일성을 목도한다. 세계의 창조는 빛에서부터 시작되었다. “빛이 있으라.” 이것이 창조의 출발점이다. 작가의 빗나간 응시는 이 빛을 무(無)로 읽어낸다. 신지학에 몰두해 회화의 영도(zero degree)를 추구했던 말레비치나 중세 카발라 신비주의자들의 신념처럼 우리는 어쩌면 이 ‘텅 비어있음’, ‘무’를 경유해야만 실재에 가닿을 수 있는 것일지도 모르겠다.

 

The Gaze for Jouissance

__ Lee Jin-sil Aesthetician / Art Critic

Pictures make us look at the world in an unfamiliar way. In reverse, there is no picture that does not enable us to view the familiar world in a strange way. Even meta-realism paintings or miniatures, so far as they are pictures on canvas, make that certain piece of reality even less familiar. Perhaps that is why the artist’s eyes are originally those of unfamiliarity, the gaze that discovers hidden cracks in the joints of reality, which appears to be smooth. The reason the views of Lee Eunkyung, who examines everyday objects on her canvases, seems strange and novel is primarily because of her microscopic gaze. In her two-dimensional works it is difficult to find panoramic landscapes, spaces of bold scale, or human figures. As if on a voyage through the micro-cosmos of things, she captures the images of small objects on her large white canvases. These pictures, however, are the results neither of an inquiry into the gap between visual experience and reality, nor of a focus on the sharp or marvelous representation of the object. They are rather a certain moment of a glance or a pause–a direct transfer of the contact point where the thoughtlessly projected gaze meets with the object. Thus, her paintings feel like photographs capturing the moment–not clear photographs, but photographs taken with the wrong exposure or B cuts of a photogram placed on a photographic plate. That is because in the center of these paintings there is not a realistic representation or frame provided by the artist, but omission, vanishing and absence. This is the second point of strangeness presented by Lee’s paintings.

Over Contrast

Perhaps that is the reason why Lee Eunkyung’s paintings give us the feeling of photography, even though they are not executed with an overly detailed technique. Her recent works in particular resemble photographs of everyday objects that have had their contrast pushed to the limit. Due to the excess of light, the gloss on the surface of the object, or the forms of transparent glass, collapse as the boundaries with the background vanish. Moreover, the light penetrates into the forms of the objects, cutting and eating away at their shapes. Thus, on account of this light, which is the premise of the visual possibility to see the forms of the objects, but which also blinds us, the form of the object is compromised. On a stage where this light is expanded to the extreme, parts of the objects are revealed in detail, while others fade away. While the shapes of the objects are suspended in stationary appearance like over-exposed photographs, the motifs, which appear in the objects like sequential rhythms, overflow into the empty marginal space
as they create variations. The dynamic rhythm of the motifs, such as the polka dots on socks, the glitter of cooking foil, a net pattern or a fish design printed on a cup, seem to gain new vitality as they are deconstructed into the only living and moving elements within this moment of pause.

Transparency and the Vanishing of Borders

The artist calls such re-composition of form “refinement.” The question of what to filter out and what to hold on to as solid content is a game as well as a never-ending battle for her. If there is a single consistent context in Lee’s work, it is the materiality of “glass” and the visual unrest caused by that material. The still life works presented in Something is Missing in 2012 were paintings of objects such as glass cups, flowers in a glass vessel, fruit and ribbons. The reflective light of glass shimmering on the canvas, the boldly omitted forms of the glass, and the sense of volume in the fruit, sometimes clear and sometimes indistinct, exposed a cheerfulness and experimental spirit completely different from the still life paintings charged with allegory made by Dutch artists. In her 2014 exhibition, The Fragile, Lee used very ancient and “feeble” materials such as egg tempera and hand-made gesso to paint contemporary commercial images and patterns on round canvases, thus “coolly” presenting the process of their cracking and becoming damaged. The artist has conducted multifarious painterly experiments related to the easily breakable and transparent material properties of glass, interpreting them through shimmering light, distortion of form, and weakness of the image. In her recent work also, the starting point of the form she intends to “refine” is indeed related to the materiality of glass. That is because to express transparency or white light against the white background of the canvas is no different than experimenting with the boundaries between background and figure, or between object and absence. At a point where the artist’s desire to express such visual boundaries hyper- realistically–and her capability to do so–must have reached a high, to our surprise, she is nullifying such borders or replacing them with simple lines and colors, assuming an attitude like that of an ascetic priest inflicting pain on himself. As the borders between object and absence, being and nothingness are now reduced into two extremes–empty backgrounds or explicit two-dimensional color masses–resulting from the transparency of the glass, which creates shimmering illusions of light and distortion of form, they are turned into completely mysterious forms. In other words, she is rebuilding new forms as she deconstructs her desire to revive the visual illusion of transparent media through absence of shape and disappearance.

The Gaze Off Target

To try to hypothesize on the prototype of these mysterious forms, or to re-compose the forms of objects as mysterious figures, is to summon the circumferential sight or blind spots, and to let go of the clear vanishing point on the retina, as in the case of the “magic eye.” That is to say, it is a series of deviations, giving up solid shape and capturing unknown forms scattered about and floating around. This is only possible with the strategy of “gazing,” which is different from the usual “seeing,” considered as symbolic order. All humans learn languages, and are included into the so-called symbolic order (Lacan). To enter this symbolic order is to give up jouissance (enjoying oneself) and to follow one’s father’s words (the existing order and system); it is to internalize the desires defined by others within us. (After all, you did not want a Chanel bag from the time you were born.) Our visual senses are always focused on where our consciousness is directed. In fact such consciousness is nothing but a tendency heavily influenced by the symbolic order. Hence, at every moment, things that are visible but cannot be seen, drop out of our familiar line of sight. In order to escape from this orientation of sight, this entrapment by semantic network, we must undertake the adventure of letting our senses wander into uncertainty. In other words, the possibility of encountering not desire but jouissance, the pleasure of meeting the “real,” is only open to such a distorted gaze, the execution of dislocation.

Emptiness

What draws our attention constantly in the distorted gaze is not the clear texture or shapes of the objects, but rather the omission of outline, the empty holes. Our eyes rest upon where the gloss of the pear has been penetrated as an empty hole (Hole), the rim of a tea cup, which has disappeared against the delicate details of the tea spoons (For Two), and the moment of extinction, where the leaves and grass have blown away in the wind (Garden in Brockley). In Chalk, the sense of velocity and movement given by the extended streak of quince-yellow gives a cheerful feeling; however, the point we have trouble looking away from is the small stain, the rotting part of the quince. The contacts of blessing touched by the light, the parts in which the reality of living is revealed most explicitly, are transformed into extinction and absence without hesitation. We witness the sameness of the most shining moment and death. The creation of the world began with light. “Let there be light.” This was the starting point of creation. The artist’s gaze, gone wide, reads this light as nothingness. Like the beliefs of Malevich, who was absorbed in Theosophy and pursued the zero degree of painting, or those of the cabalist mystics, perhaps we also must go through this “emptiness” and “nothingness” in order to reach the real.

 

 

 

수집된 불안정함의 틈

__ 큐레이터 윤채원

현미경은 인간의 눈으로 볼 수 없는 것들을 확대하여 관찰하도록 도와주는 실험기구다. 그 동그란 렌즈 너머로 보이는 건 평소에 볼 수 없었던 것들의 세밀한 일부분이며 동시에 자신이 상상하지 못했던 이질적인 미지의 세계의 문을 열어주는 시작점이다. 그런 현미경의 기능과 형태는 이은경의 작업에서도 유사한 맥락으로 적용되고 있다. 다만 차이가 있다면, 작가가 보여주는 건 처음부터 존재했던 것이 아닌, 그녀 스스로 만들어낸 메시지라는 점일 것이다. 발랄해보이면서도 어딘가 손상되어 있는 그림은 그렇게 단순한 이미지에서 작품으로 전환된다.

이은경이 다루는 소재는 도시에서 흔히 접할 수 있는 상업적이고 단편적인 이미지들이다. 순식간에 소모되고, 언제 어떻게 바스러질지 알 수 없는 이미지는 언뜻 보기엔 흠집하나없는 환벽한 상징처럼 보일지도 모른다. 하지만 실제로는 허망할 정도로 쉽게 생성되고 사라지는 물거품 같은 도시의 허물이 그 본질이라고 볼 수 있다. 작가는 그럼 이미지들의 군상 속에서 표본을 재취하듯 부분을 떼어내어 캔버스 위에 올려놓는다. 캔버스가 갖고 있는 원형의 포맷은 작가에겐 현미경의 렌즈이자 표본접시로 기능하다. 미디어가 갖고 있는 일회성의 이미지들에서 추출된 파편들은 이렇게 작가의 현미경 안에서 재조명을 받게되고 마치 생물이 변이하듯 또다시 새로운 이미지를 재생산해낸다. 그 이미지는 다층의 레이어 안에 옮겨지는데, 이 표현 과정에서 작가는 현대의 물감과 제소가 아닌 에그템페라와 수제 제소라는 흔치 않은 매체를 택하는 행보를 보인다. 중세부터 쓰였던 에그 템페라와 석고가 섞인 수제 제소라는 재료둘다 탄성이 부족하고 충격에 약해 균열을 일으키기 쉽다는 특성을 갖고 있는데, 이 기능적 단점이 작가에겐 오히려 자신이 표현하고 싶은 이미지를 더 효과적으로 보조해줄 수 있는 장점으로 돌변할 수 있었던 것이다. 이런 재료의 특성상 드러나게되는 보존하기 힘들고 쉽게 변하는 물질적인 물완전성은 작가가 생각해왔던 이미지의 연약함을 잘 살려내면서 시간이 흐를수록 희미해지고 사라져가는 소멸과정에 더 효과적인 연출을 더해주게 된다. 자칫 이미지를 훼손하는 것처럼 보인수도 있는 이 과정은 작가 개인만이 아닌 다수의 참여자가 다 같이 캔버스를 바닥에 놓고 돌리고, 다시 옮기게 하는 식으로 주체의 범위를 확장했던 작가의 지난 2011년도 퍼포먼스 작업들과 연결되고, 또한 겉 표면의 이미지와 무고나한 물감의 지층을 그 무대배경으로 택한 이유와도 맥을 같이 한다. 수집된 이미지들의 파편은 물감층과 융합되면서 대량 인쇄되는 구조에서 회화의 물리적 구조로 그 경계를 넓혀 나간다. 이는 실제로는 눈앞에 없으나 존재하는 것 같은 이미지의 환영, 그에 대한 해부학적인 분석을 시도하면서 동시에 그것이 본래 갖고 있었던 이미지의 고우의 유약함을 역설적으로 강조하게 된다. 이런 표면을 긁어 벗겨내는 표현과 과정은 환영이 만들어지느 과정과 정반대의 모습을 보여주며, 생성과 소멸의 틈을 벌려내여 관람자가 상상을 할 수 있는 여유분의 공간을 만들어낸다. 무언가가 사라져가는 과정의 시계바늘을 잠시 멈추고 그 안을 들여다본다면, 이 공간들은 현미경으로 보는 생물의 이면처럼 새로운 모습을 드러낼 것이다.

기성 이미지들의 조각들로 만들어진 새로운 이미지의 환영과 그 위에 끝없이 반복되어지는 ‘ 지워지는 과정’은 그 작품이 갖고 있는 다양한 시간대를 보여준다. 이번 전시에서도 작가는 관람자가 직접 손으로 만져볼 수 있게 서용함으로써 공감각적인 여지를 남겨두고 있는데, 이런 상황의 설정이 이번에는 어떤 효과를 도출해 낼 수 있을지 기대해 보아도 좋을 것 같다.

 

 

Crack of collected unstableness

__ Chaewon Yoon (curator)

Microscope is the apparatus to help observation that human eyes can’t catch.  What is seen beyond a circular lens is the detailed parts of  things passing by easily in the daily life. At the same time, this is the beginning point of unknown world that is unfamiliar and unimaginable. The form and function of microscope is similarly applied in Eunkyung Lee’s work. However her work shows not something existing from the beginning but the message created by her. The work looks damaged yet vivacious, which seems the way to transform simple images to art works.

The subject matter of her work is commercial and fragmentary images in cities. They are rapidly consumed and can crumble away at anytime, yet they may be seen as flawless and perfect symbols. However, in fact, their genuine nature is skin of cities that ephemerally emerge and disappear as water bubbles do.  Eunkyung detached parts from a number of those images and put them on canvas as if collecting samples. Circular format of the canvas functions as a lens from microscope and a petri dish.  Distracted fragments from consumable media images are re-illuminated through the microscopic view, which is followed by reproducing new images as an organic creature mutates. Eunkyung brought ready-made images onto layers, and in the process she chose an uncommon medium- egg tempera with handmade gesso. In fact, egg tempera and handmade gesso, used from the medieval period, both lack resilence so they easily have cracks from impact and shock from outside. Reversely, in her work, this functional weakness of materials becomes advantage to support her intention brewing fragile quality. Regarding the physical unstableness of these materials, it is strongly connected to the concept of fragility and also contributes to draw effective surface expression. The process, looking as damaging works, is linked to her video work ‘Paintings on the floor’ in 2011 based on performance with multiple participants and is in the same line with the reason of employing unrelated layers with top surface. Considering that collected fragmentary images converged with layers on canvas, it broadens their boundary from mass printed structure to physical structure of the painting. Illusion of images, having virtual effect as if they visually exist even though they don’t in reality, has been anatomically analysed, simulataneously the images’ intrinsic fragility has been emphasized paradoxically. The scratching and stripping process displays constructing and deconstructing illusion. Also it generates  room  for imagination, widening crack of creating and destruction. If the moment of vanishing is captured and seen, it will unfold new aspects as the other side of creature is shown over the microscope.

It unravels various times belonging to her works  by the erasing process which is unlimitedly repetitive on the surface brought from readymade images. In this show, she allows the audience to touch the work, leaving room for multisensory experience. Her guideline of the show may draw the unexpected.

 

There-Not-There

_Christine Lai

The childhood game of ‘connect the dots’ often puts one in mind of shifting cloud shapes that form fantastical objects out of the ether, things that are constructed just as suddenly as they are ‘unbuilt’, to use Shelley’s phrase. The connecting of the dots, the drawing of lines and the moulding of nebular shapes all rest upon the imagination’s ability to fill the void – and we are here called upon to exercise that imaginative faculty. Eunkyung’s delicate pictures evoke the quality of clouds, shifting, vaporous and half-visible, those evanescent forms dissolving into the transitory lucidity of glass. These forms lead us to ask what is amiss, and what is repeatedly asserting its presence. Like cloud shapes, there is a certain unreality here to the partially dissolving objects, simultaneously nothing and a thousand things, disappearing even as they emerge.

As I walk around the studio looking at these paintings, I imagine myself to be resting on a windswept barley field, gazing at the clouds. But soon the cloud-gazer would drift into sleep and dream of being wafted on a sea of green. For if air is the first element that informs these paintings, then water is surely the second. Water, like clouds, shifts and is gone, just as the organic matter, the floral and vegetative clippings, bloom and die – which perhaps speaks more to the French phrase for still life, nature morte. As blossoms wither and fruits fester, the glass remains seemingly unchanging, a thing of strength and clarity. But glass, in spite of its static, solid exterior, in fact has the molecular structure of fluids, with a disordered arrangement and not an orderly, crystalline structure. Glass is therefore frozen, brittle liquid, always on the verge of dispersal and evaporation, as fleeting as the organic matter it contains, flowing into the white canvas-sky against which everything is set.

Through these dissolving glass shapes, Eunkyung has created an aesthetics of transience.

But art here is not so much about what dies, what remains still, as it is about what remains, for the flip side of disappearance is emergence. The colours are what endure in these paintings, these rich plums, burgundy and reds, the pastel blues and pinks, and delicate lime greens. The colours seem to render glass no longer static, but translucent, iridescent. The cloud-gazer sees here a vision in glass and colours.

The glass creates a conceptual space. Perhaps there is a certain degree of unreality to the objects that exist in this space, poised between 2D and 3D, in transition between the two, as if in a state of emergence, of potentiality rather than absence. This is less about still life as it is about what is not still. Just as colours exceed the translucent bounds of the glass, so does art seek to transcend its own limits. I see here the coming-into-being of colours, a struggle into being, and a struggle with nature, with death. These pictures are, for me, a reminder to see through things, to see brightly, clearly, through the intermediary layer that separates the seer and the seen. How fitting that cold glass, like art, should be fused in heat, by human hands, moulded by human breath, the pneuma, simultaneously transient and enduring as the matter it creates.